Esta história é trazido a você por destilada-vapor Smartwater , que encontrou inspiração única para a água, olhando para o céu. Esperamos que a mudança de perspectiva esta peça oferece vai ajudar inspirar você.
Embora os artistas de hoje têm um mundo de tecnologia na ponta dos dedos, muitos ainda optam por trabalhar de uma forma mais tradicional. Estes não são os pintores que criam obras usando óleo, acrílico ou aquarela - eles são artistas que levam objetos do cotidiano, como jogos, botões e pregos para fazer obras complexas que merecem um olhar mais atento.
Usando milhares de peças separadas, esses artistas criam esculturas altamente detalhadas e instalações que requerem uma grande quantidade de habilidade e uma quantidade enorme de paciência. Ao examinar as suas obras, não só temos de apreciar como os objetos comuns foram transformados em algo extraordinário, nós começamos a ficar para trás com admiração e apreciar a criatividade e engenhosidade que vive dentro de todos nós.
Hoje, estamos orgulhosos de apresentar sete artistas que, em sua própria maneira original, nos inspiraram com o compromisso de seu ofício. Estes são os artistas que têm tanto a confiança ea clarividência de reconhecer que, gastando semanas (ou meses!) Meticulosamente organizar milhares de peças, eles podem criar uma magnífica obra de arte que todos nós não vai esquecer tão cedo. Do artista baseado em Londres, que suspende as flores de tectos para um artista com sede na Califórnia Orange County, que perfura parafusos para criar retratos tridimensionais, estes são os que empurram as fronteiras criativas (e, ao fazê-lo, inspirar uma legião de fãs a seguir os seus passos).
1. Rebecca Louise Lei (Artista Floral)
Artista Rebecca Louise Lei imerge os espectadores em seus jardins bem surreais de cabeça para baixo. Em um dia, Lei normalmente trabalha com uma equipe de 10 a 40 pessoas para criar essas instalações lunáticas que fazem você se sentir como se você entrou no país das maravilhas. Seu maior desafio é a natureza efêmera das flores: No início de cada instalação, ela mantém em mente como ela vai perseverar as flores para que eles duram mais de uma semana. Como ela explica, "O tempo na primeira etapa da instalação é crucial, como eu gosto de toda a instalação para secar no mesmo ritmo."
No ano passado, a Lei foi encomendado pelo Garden Museum de Londres para criar a instalação site-specific Rosas . Mais de 3.000 rosas multicoloridas foram pendurados em fios de cobre e etérea suspenso do edifício principal do museu. Até 18 de julho, você pode ver o seu mais recente trabalho, juntamente com as de artistas Damien Hirst, Beth Carter, Kathy Dalwood e Patrick Haines, na Odisséia exposição na Igreja de St Edmund King, em Londres.
2. Christian Faur (pastéis)
Enquanto muitos de nós ainda não pegou lápis desde que éramos crianças, o artista Christian Faur vê-los como uma parte natural de sua vida cotidiana. O artista não comprar lápis de cor fora de prateleiras - ele faz-los à mão, usando uma mistura especial de cera de abelha, cristais e pigmentos. Em seguida, ele cuidadosamente as organiza como pixels até formar um retrato fotorrealista de uma pessoa.
Faur enfrenta dois conjuntos de desafios. Primeiro, suas composições deve ser forte o suficiente para que as obras podem ficar por conta própria, para além do material que ele usa ou as técnicas que ele utiliza. Em segundo lugar, ele deve ter em mente a forma como os trabalhos serão retratados (que, neste dia e idade, é principalmente através de pequenas telas de celular ou tablet.)
"Um ícone típico quadrado no iPhone tem 60 x 60 pixels, com milhões de cores possíveis", diz ele. "Muitas das minhas composições falhar completamente com essa resolução, e nunca se fez." Para ajudar com esta limitação, Faur conta com retratos. "Acredite ou não, o rosto humano exige o mínimo de resolução, uma vez que está" difícil -wired "para ver rostos. Nossos cérebros preencher a lacuna quando a resolução está faltando Se eu fosse para tentar criar um cacto, copo ou cenoura com a mesma resolução, a natureza fotográfica do trabalho não seria percebida" Isso. "preencher" dá ao trabalho uma qualidade mágica, quando visto em uma galeria. "Quando você se aproxima lentamente do trabalho, a imagem fica mais difícil de perceber. Então, quando o cérebro vê o lápis como objetos individuais, a imagem geral é perdido. Adoro ver as pessoas se movem mais perto e mais longe do trabalho, tentando entender de onde a imagem real reside. "
Se você não pode ver as obras de Faur em pessoa, ele tem um e-book chamado de uma caixa dos pastéis que permite aos usuários olhar para um trabalho completo lápis e depois passe para ver seus muitos tiros detalhados.(O artista quis imitar uma experiência galeria, fornecendo as pessoas com múltiplas visões do mesmo pedaço.) Alternativamente, você pode esperar para o próximo show de Faur, uma exposição individual na Galeria de Kim Foster em algum momento de 2015, em Nova York.
3. David Foster (pregos)
Para até três semanas seguidas, artista sediada no Reino Unido David Foster transforma uma tela em branco em todos os uma incrível retrato martelando em milhares de pregos. Muitas de suas obras são retratos de pessoas instantaneamente reconhecíveis, incluindo Nelson Mandela, Marilyn Monroe e Bob Dylan. Originalmente um arquiteto, Foster desenha em seu fundo técnico de desenho para planejar cuidadosamente e construir sua obra.Como muitos artistas apresentados aqui, não há espaço para erros. Como ele explica, "Sobre um fundo branco, um prego no lugar errado pode arruinar uma foto e resíduos semanas de trabalho. Eu não posso pintar em cima do buraco ou preenchê-lo, porque essas correções seria perceptível."
Imagens pontilhismo de Foster levam em média 5.000 pregos, mas esse número pode ir tão alto quanto 30.000.Sua técnica tem evoluído ao longo do tempo, e que o artista agora prefere pequenos pregos para que o espectador possa interpretar o trabalho mais de perto e com mais detalhes. Em seu estúdio, ele tem mais de um milhão dessas unhas meia, à espera de seu novo "lar".
O artista recentemente expôs na Feira de Arte Contemporânea de Liverpool e tem muitas de suas obras em galerias de todo o Reino Unido.
4. Michael Mapes (Colagem de Objetos)
Artista Michael Mapes criou uma série intrigante inspirado pelas belas pinturas de mestres holandeses como Rembrandt, Vermeet e Nicolaes Eliasz Pickenoy do século 17. Em cima de uma placa de espuma branca como aqueles usados por entomologistas para fixar as amostras de insetos, Mapes reúne objetos em miniatura, incluindo impressões fotográficas, cápsulas de gelatina, frascos de vidro e contas até formar um retrato coeso. O trabalho visto aqui, holandês Specimen MT1639 , é composta por mais de 5.000 peças.
"Eles são bastante tedioso para criar", diz ele, "assim que eu tento trazer uma abordagem pintor-like para trabalhar neles. Fazer mudanças que envolvem tantos elementos individuais podem ser um desafio, se não punir, mas meu interesse reside na descobrindo a composição da obra ao fazê-la ".
Mapes tem muitas futuras exposições este ano. Em Londres, ele vai mostrar cinco obras, juntamente com dois outros artistas como parte do show de Cervejas Contemporânea Corte-Copy-Paste de 1 agosto - 27 setembro.Em Haia, ele vai ser uma parte do show Revisitando a Idade de Ouro em Pulchri Studio de 9 agosto - 31 agosto. Empolgante, holandês Specimen MT1639 , a primeira obra em série holandesa Mapes ', será exibido para os próximos dois anos na residência do embaixador dos EUA para a Holanda, em Haia, como parte do programa Arte em Embaixadas.
5. Pei-San Ng (resultados)
Artista com sede em Chicago Pei-San Ng leva milhares de jogos antigos e monta-los em tudo, desde a tipografia bonita para uma imagem de um Phoenix. Do conceito à conclusão, suas obras levar cerca de dois meses para ser concluído - com uma parcela grande de que o tempo dedicado a desenvolver a idéia - e todos carregam um significado profundo.
"Quero que o conceito a ser interligados com o material, uma vez que a imagem ou o texto tem que girar em torno de fogo, de uma forma ou de outra", diz ela. "Não só eu tenho que quebrar uma imagem ou palavra em pontos uniformemente espaçados, mas eu também deve decidir que cores usar. Então, o conjunto começa. Isto, de certa forma, é a parte mais simples, porque eu acredito na idéia suficiente para passar horas e horas de colagem ".
Dependendo do tamanho da peça, a montagem pode exigir dias ou mesmo semanas de tediosa repetição, todos construção até a parte mais divertida para o artista: a queima. Nesse meio tempo, ela acrescenta: "Eu confio muito no chá quente, massagens nas costas e um monte de dramas de televisão chineses."
Ng está atualmente experimentando com a exibição de seu trabalho em espaços menos tradicionais, como a Galeria de quartéis de bombeiros. Ela também está interessado na criação de mais trabalho site-specific.
6. Andrew Myers (Parafusos)
Notavelmente, Andrew Myers não depende de software de computador para criar seus retratos tridimensionais - o artista baseado em Laguna Beach faz tudo com a mão. Começando com um painel de madeira compensada, ele perfura 8.000 a 10.000 buracos e lugares em parafusos em diferentes alturas. Em seguida, ele pinta sobre cada cabeça individual, tendo em mente onde as sombras naturalmente mentir. (Um de seus últimos trabalhos é um conjunto de quatro close-ups retratos de rostos. Tomados em conjunto, esse conjunto mede um enorme 12 pés por 12 pés.)
Myers diz que seu maior desafio é o trabalho. "Ele pode ser desgastante fisicamente instalar parafuso após parafuso por horas a fio", diz ele. "Essas peças demorar de dois a seis meses, dependendo do tamanho e assunto."
A mistura de ambos a escultura ea pintura, estas são obras únicas só podemos apreciar plenamente em pessoa. O artista vai apresentar o seu mais recente peça no Festival de Artes em Laguna Beach de 5 julho - 30 agosto.
7. Ran Hwang (botões, miçangas e Pins)
Artista coreano-nascido e com sede em Brooklyn Ran Hwang cria murais surpreendentes usando materiais minúsculos tipicamente associados com a roupa - botões, miçangas e alfinetes. Extremamente demorado e muito repetitivo, cada peça tem uma quantidade incrível de trabalho. Hwang recorda que quando ela estava começando, ela só pode ser dado três a sete dias para completar uma instalação, de modo que ela estaria martelando pinos e botões diretamente na Galeria de paredes toda a noite. Agora, suas peças em grande escala, que a média de mais de 30 metros de largura, levá-la cerca de um ano para ser concluído, enquanto que obras menores demorar cerca de três meses.
Para a peça acima, Dreaming of Joy , Hwang alavancado perto de 60.000 botões vermelhos e pinos para criar um gigantesco de 16 metros de altura das aves. Em seu estilo típico, Hwang deixou uma dispersão de pinos no chão, debaixo da silhueta da imagem. Embora à primeira vista o trabalho pode parecer inacabado, Hwang deliberadamente deixado um monte de botões no chão. O artista evita o uso de qualquer cola, de modo que os botões de permanecer ou cair em seu próprio acordo.
Até 31 de agosto, você pode ver o trabalho de Hwang Ran em uma exposição individual na Galeria AAW em Pequim, China. Em março próximo, ela também estará mostrando seu trabalho no Armory Show, em Nova York, onde ela vai ser representada por Leila Heller Gallery.
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